Специалисты уже давно обратили внимание
на то, что искусство живописи в странах Дальнего Востока генетически
связано с искусством каллиграфии. В Японии, в частности, существует
понятие единства каллиграфических и живописных принципов.
Соответственно в японской живописи, как и в китайской, издавна
большую роль играет линия и распространены монохромные картины.
Вместе с тем влияние искусства каллиграфии на живопись Японии не
следует преувеличивать. Характерно, например, что во времена
японского средневековья довольно долго основным течением в живописи
было суйбокуга. Произведения в стиле суйбокуга создавались тушью,
при этом показывалась игра света и тени на предметах, но
отсутствовали контурные линии.
Развитию японской живописи способствовали контакты с континентом,
откуда в начале VII века было позаимствовано искусство изготовления
красок, бумаги и туши.
Большое значение для судеб японской живописи, равно как и
скульптуры, имело распространение в стране буддизма, поскольку
потребности буддийской культовой практики создавали определенный
спрос на произведения этих видов искусства. Так, с X века с целью
распространения среди верующих знаний о событиях буддийской
священной истории в массовом порядке создавались так называемые
эмакиномо (длинные горизонтальные свитки), на которых изображались
сцены из буддийской священной истории или из связанных с нею притч.
Японская живопись в VII веке была весьма еще проста и безыскусна.
Представления о ней дают росписи на ковчеге Тамамуси из храма
Хорюдзи, отображавшие те же сцены, которые воспроизводились на
эмакимоно. Росписи выполнены красной, зеленой и желтой краской на
черном фоне. Некоторые росписи на стенах храмов, относящиеся к VII
веку, имеют много общего с аналогичными росписями в Индии.
По мере дальнейшего распространения буддизма возник массовый спрос
на культовые изображения. В связи с этим профессия художника стала
очень распространенной, причем уже в VII веке среди мастеров,
занятых созданием картин, развивалась даже специализация: одни
делали общий набросок рисунка, другие раскрашивали его, третьи
обводили контуры.
Рисунки на полотнищах эмакимоно в VII-VIII веках имели весьма
простой, близкий к символическому характер, изображениям не хватало
динамики. Однако с течением времени художественное качество рисунков
эмакимоно возросло, и лучшие из них весьма выразительны и
совершенны.
С VIII века в Японии начинается развитие жанровой и пейзажной
живописи. До наших дней дошла ширма под условным названием “Женщина
с птичьими перьями”. На ширме изображена женщина, стоящая под
деревом, волосы и кимоно ее украшены перья-ми. Рисунок исполнен
легкими, струящимися линиями.
Для буддийской живописи с IX века характерными являются изображения
мандалы, что на санскрите означает алтарь. При создании мандал
использовались дорогостоящие материалы. Например, “Такао мандала”,
хранящаяся в монастыре Дзингодзи, написана золотом и серебром на
плотном фиолетовом шелке.
Первоначально японские художники, отчасти в связи с характером
тематики, над которой они преимущественно работали (буддийская
живопись), находились под сильным китайским влиянием: писали в
китайском стиле, или стиле кара-э. Но со временем в противовес
картинам в китайском стиле кара-э стали появляться светские по
тематике картины в японском стиле, или стиле ямато-э (живопись Ямато).
В Х—XII веках стиль ямато-э стал господствующим в живописи, хотя
произведения сугубо религиозного характера все еще писались в
китайском стиле. В этот период получила распространение техника
нанесения контуров рисунка мельчайшей золотой фольгой.
В XI—XII веках появилось много выдающихся по технике исполнения
произведе-ний чисто светской живописи, включая портретную. Многие
художники-профессионалы создавали картины только на светские темы,
такие картины изображали и на складных ширмах и сёдзи.
Одним из образцов исторической живописи эпохи Камакура является
знаменитый свиток XIII века “Хэйдзи-моногатари”, на котором
запечатлено восстание, поднятое в 1159 г. главой крупного
самурайского клана Ёситомо Минамото. Как и миниатюры в древнерусских
летописях, свитки, подобные “Хэйдзи-моногатари”, являются не только
выдающимися памятниками искусства, но и историческими
свидетельствами. Соединяя текст и изображение, они воспроизводили по
горячим следам бурные события княжеских усобиц второй половины XII
века, воспевали военные подвиги и высокие моральные качества
вышедшего на арену истории нового военно-дворянского сословия —
самураев.
О художественных достоинствах исторических самурайских эмакимоно
(свитков) указанного времени можно судить по фрагменту из
“Хэйдзи-моногатари” с изображением одного из эпизодов войны — “Битвы
у Рокухара”. При яростном динамизме сцены и яркости ее
художественного решения не устаешь удивляться степени
проработанности отдельных деталей. А ведь это лишь один из
фрагментов свитка! Выразительны лица захлебнувшегося в крике,
атакующего всадника с огромным луком в руках и мечом на поясе и
бегущего справа от него пехотинца. Отлично выписана черная лошадиная
голова на переднем плане. Более условны, почти как маски театра. Но,
напряженные лица самураев на заднем плане. Но и они поданы в броске,
в движении. Развеваются красные ленты за шлемом бегущего слева воина
с колчаном стрел за плечами, напряженно прижат к груди локоть его
левой руки. Мастерство художника в передаче движения, жеста не может
не вызвать восхищения. И при этом — свободное владение всем
многообразием цветовых оттенков, профессиональная точность в
воспроизведении деталей самурайских доспехов, оружия, конской сбруи.
С конца XVI века основными формами живописи становятся стенопись,
картины на складных ширмах. Произведения живописи украшают дворцы
аристократов, дома горожан, монастыри и храмы. Развивается стиль
декоративных панно — дами-э. Такие панно писали сочными красками на
золотой фольге.
Признаком высокого уровня развития живописи является существование в
конце XVI века ряда живописных школ, в том числе Кано, Тоса, Ункоку.
Сога, Хасэгава, Кайхо. Выдающиеся картины, созданные в этот период,
принадлежат не только известным живописцам, но и оставшимся
безвестными мастерам.
В течение XVII—XIX веков исчезает ряд некогда прославленных школ, но
их место занимают новые, такие, как школа гравюры на дереве укиё-э,
школы Маруяма-Сидзе, Нанга, европейской живописи, а также школа,
ратовавшая за возрождение в живописи стиля ямато-э, т. е. старого
японского стиля.
Центрами культуры и искусства позднего средневековья (оно затянулось
в Японии практически до XIX века) становятся наряду с древними
городами Нара и Киото новая столица Эдо (современный Токио), Осака,
Нагасаки и др. Расцвет специфической городской культуры и
сопутствующих видов искусства определил основное направление
развития японского искусства в XVII—XIX веках. При этом подверглись
изменению как формы “бытования” искусства, так и его общественная
функция. Высочайшего уровня достигла также гравюра на дереве,
ставшая в XVIII—XIX веках главных видом японского искусства.
Вообще искусство эпохи Эдо (1615—1868) характеризуется особым
демократизмом (потребителями его являются самые широкие круги
горожан — третьего сословия) и сочетанием художественного и
функционального. Примером такого сочетания является живопись на
ширмах. Ширма — вещь, имеющая точное функциональное назначение в
интерьере японского жилища, предмет быта. Одновременно это —
картина, произведение искусства, определяющее эмоциональный тонус
жилища, предмет эстетического созерцания. Именно на парных ширмах
написаны “Красные и белые цветы сливы” — самое значительное и
знаменитое из сохранившихся произведений великого художника Огата
Корина (1658—1716), шедевр, по праву причисляемый к лучшим созданиям
не только японской, но и мировой живописи.
Интересна судьба упомянутой выше гравюры на дереве — укиё-э. В свое
время, в прошлом столетии, Европа, а затем и Россия именно через
гравюру впервые познакомились с феноменом японского искусства. Между
тем в самой Японии гравюру на дереве первоначально вообще не считали
искусством, таким, как живопись на ширмах или на свитках. Возникшая
на стыке искусства и ремесла, японская гравюра действительно имела
все признаки массовой культуры — тираж, доступность, дешевизну. Не
случайно ее так и назвали — “укиё-э” (слово “укиё” означает в
переводе темное, мирское, обиходное”). Мастера укиё-э добивались
максимальной простоты и доходчивости как в выборе сюжетов, так и в
их воплощении. Сюжетами гравюр были в основном жанровые сценки из
повседневной жизни города и его обитателей: торговцев, артистов,
гейш.
Укиё-э, как особая художественная школа, выдвинула целый ряд
первоклассных мастеров. Начальный этап в развитии сюжетной гравюры
связан с именем Хисикава Мо-ронобу (1618—1694). Первым мастерам
многоцветной гравюры был Судзуки Харунобу, творивший в середине
XVIII века. Главные мотивы его творчества — лирические сцены с
преимущественным вниманием не к действию, а к передаче чувств и
настроений: нежности, грусти, любви. Подобно древнему изысканному
искусству эпохи Хэйан, мастера укиё-э возрождали в новой городской
среде своеобразный культ утонченной женской красоты, с той только
разницей, что вместо гордых хэйанских аристократок героинями гравюр
стали изящные гейши из увеселительных кварталов Эдо. Художник
Утамаро (1753—1806) представляет собой, может быть, уникальный в
истории мировой живописи пример мастера, безраздельно посвятившего
свое творчество изображению женщин — в разных жизненных
обстоятельствах, в разнообразных позах и туалетах. Одна из лучших
его работ — “Гейша Осама” находится в Москве, в Музее
изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Необыкновенно тонко
передано художником единство жеста и настроения, освещения и
выражения лица.
Высочайшего уровня жанр японской гравюры достиг в творчестве
Кацусика Хоку-сая (17СО—1849). Ему свойственны неизвестные ранее в
японском искусстве полнота охвата жизни, интерес ко всем ее сторонам
— от случайной уличной сцены до величественных явлений природы.
Творческая судьба Хокусая необычна. Плодовитейший мастер, — ему
принадлежит свыше 30 тысяч гравюр и рисунков, более 500
иллюстрированных книг, — он обрел творческую индивидуальность лишь в
преклонном возрасте, накопив за долгую жизнь великое множество
знаний, навыков, умений, достигнув подлинной мудрости в видении мира
и человека. В возрасте 70 лет Хокусай создает свою самую знаменитую
серию гравюр “36 видов Фудзи”, за нею последовали серии “Мосты”,
“Большие цветы”, “Путешествия по водопадам страны”, альбом “100
видов Фудзи”. Каждая гравюра — ценный памятник живописного
искусства, а серии в целом дают глубокую, своеобразную концепцию
бытия, мироздания, места человека в нем, традиционную в лучшем
смысле слова, т. е. укорененную в тысячелетней истории японского
художественного мышления, и совершенно новаторскую, временами
дерзкую, по средствам исполнения.
Блистательно возродив пейзажный жанр, давший в средние века такие
шедевры, как “Зимний пейзаж” Сэссю, Хокусай вывел его из канона
средневековья прямо в художественную практику XIX—XX веков, оказав и
оказывая влияние не только на французских импрессионистов и
постимпрессионистов (Ван-Гога, Гогена, Матисса), но и на русских
художников “Мира искусства” и другие, уже современные нам школы.
Искусство цветной гравюры укиё-э явилось в целом прекрасным итогом
,и, может быть, даже своеобразным завершением неповторимых путей
японского изобразительного творчества.